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La pregunta circula como un virus por los pasillos de Art Basel y se susurra en las cenas exclusivas de la Bienal de Venecia: “¿Por qué todas las colecciones de arte tienen el mismo aspecto ahora mismo?”. Lo que antes era una búsqueda de lo disruptivo se ha transformado en una cómoda y rentable monocultura visual. El arte contemporáneo, en su afán por ser internacional, ha caído en la trampa de la homogeneización.
La dictadura del "Zombie Formalism"
El mercado actual no busca riesgos, busca activos financieros. Críticos como Walter Robinson han bautizado este fenómeno como Zombie Formalism: una abstracción chic, decorativa y repetitiva que inunda las subastas de Christie’s y Sotheby’s. Son obras diseñadas para lucir impecables en un loft de lujo o en la oficina de un fondo de inversión: seguras, reconocibles y, sobre todo, líquidas. Es arte que no molesta, que "revive" estéticas del pasado sin aportar el peligro de lo nuevo.
El algoritmo: Si no es "Instagrammable", no existe
Hoy, una obra de arte tiene que sobrevivir al scroll infinito para ser relevante. El algoritmo de Instagram ha moldeado la producción artística hacia colores saturados, composiciones limpias y escalas monumentales. Hemos pasado de la experiencia estética a la estética de la experiencia: instalaciones diseñadas específicamente para el selfie del visitante, donde el impacto visual inmediato devora cualquier profundidad conceptual. Si no cabe en un story, el mercado suele darle la espalda.
La "Burocracia de la Bienal" y el idioma común
Existe un circuito de curadores nómadas que viajan de Kassel a São Paulo repitiendo los mismos marcos teóricos. Temas urgentes como el post-colonialismo, la identidad de género o la crisis climática, al ser procesados por la maquinaria institucional, a menudo se convierten en un "checklist" curatorial. Esto ha dado pie al llamado International Art English, un lenguaje pretencioso y estandarizado que hace que los textos de sala en Berlín suenen exactamente igual a los de Shanghái, unificando no solo el fondo, sino la forma de presentar el pensamiento.
El molde de las escuelas de élite
Desde la Goldsmiths en Londres hasta la Yale School of Art, los modelos pedagógicos se han globalizado. Los artistas jóvenes aprenden a hablar el mismo idioma visual para encajar en el circuito de residencias internacionales. Salen de la academia sabiendo qué referencias citar y qué materiales usar para ser "validables". Es una línea de montaje de talento que garantiza calidad, pero a costa de la singularidad regional.
La Feria como centro comercial de lujo
Con más de 300 ferias al año, las galerías no pueden permitirse el lujo de arriesgar. Presentar algo radicalmente distinto en un stand que cuesta decenas de miles de euros es un suicidio financiero. Por eso, eligen lo que ya ha funcionado en otros nodos globales. El resultado es una sensación de déjà vu constante: la misma escultura de neón, la misma pintura figurativa de gran formato y la misma instalación de materiales industriales que podrías encontrar en cualquier otra capital del mundo.
"La homogeneidad no es falta de talento, es el síntoma de un sistema que ha priorizado la validación institucional y el capital sobre la disidencia creativa."
¿Hay salida al aburrimiento?
A pesar de esta pátina de uniformidad, el arte no ha muerto. Debajo del radar de las grandes ferias, existen escenas locales vibrantes que rechazan el código QR y la estética pulida del mercado. El verdadero desafío para el coleccionista y el amante del arte hoy no es encontrar "lo nuevo", sino tener el valor de mirar fuera del marco que el algoritmo y las instituciones han construido para nosotros. Quizá el problema no es que todo el arte se parezca, sino que todos estamos mirando hacia el mismo lugar.
La resistencia: Artistas que "hackean" el sistema
Frente a la pulcritud del Zombie Formalism, está surgiendo una generación que abraza lo imperfecto, lo local y lo analógico. Estos son algunos perfiles que están devolviendo la fricción al arte:
Precious Okoyomon: Olvida las instalaciones limpias. Sus obras son ecosistemas vivos, caóticos y mutantes que crecen (y mueren) en la sala del museo, desafiando la idea de la obra de arte como un objeto estático para ser vendido.
Oscar Murillo: Aunque es una estrella del mercado, su práctica mantiene una "suciedad" necesaria. Utiliza lienzos que se arrastran por el suelo, materiales industriales y una energía física que rompe con la estética digital y pulida de Instagram.
Tuan Andrew Nguyen: En un mundo de discursos globales genéricos, Nguyen utiliza la memoria local de Vietnam para crear cine y escultura que es profundamente específico. Prueba que lo universal se alcanza a través de lo particular, no de lo estandarizado.
Sayre Gomez: Utiliza el hiperrealismo no para decorar, sino para retratar la decadencia urbana de Los Ángeles (vallas publicitarias rotas, grafitis, basura). Es un comentario directo sobre la superficie de la imagen en la era del consumo.
Cómo coleccionar fuera del algoritmo
Si eres un coleccionista o un entusiasta que siente que siempre ve lo mismo, aquí tienes cuatro estrategias para romper la burbuja:
La regla de las "Tres Visitas": No compres ni valides una obra la primera vez que la veas en una feria. Las ferias están diseñadas para la compra impulsiva por impacto visual. Vuelve al día siguiente; si la obra sigue "hablándote" sin el ruido del evento, hay algo real ahí.
Ignora el "Art English": Si el texto de sala de una exposición suena como un manual de filosofía mal traducido, desconfía. Busca artistas que puedan explicar su proceso de forma visceral o técnica. El arte que necesita demasiada "literatura" para sostenerse suele ser un producto del sistema, no de la creación.
Sigue al artista, no a la galería: Usa las redes sociales de forma inversa. En lugar de seguir lo que el algoritmo te sugiere, mira a quién siguen los artistas que te gustan. Las comunidades de artistas suelen ser mucho más ricas y diversas que los catálogos de las grandes galerías.
Apuesta por la "Geografía Inversa": Si todos están mirando a Berlín o Nueva York, mira a Lagos, Bogotá, Bangkok o Tiflis. Las escenas que aún no han sido totalmente colonizadas por el mercado global conservan una autenticidad y una experimentación que el centro ya ha perdido.
El arte contemporáneo no está en crisis de creatividad, sino en crisis de distribución. La homogeneización es el precio que pagamos por la hiperconectividad. Sin embargo, en cuanto apagamos la pantalla y salimos del circuito de las "diez galerías top", descubrimos que el arte sigue siendo ese lugar peligroso, extraño y maravilloso que el mercado aún no ha logrado etiquetar.
